martes, 12 de febrero de 2013

Sergio Leone, director de cine italiano



Sergio Leone
El director italiano Sergio Leone es el creador del subgénero spaghetti western, estrenado en 1964 con Por un puñado de dólares, la primera de una serie de películas con ciertas dosis de violencia.


Sergio Leone (1929-1989), director de cine italiano que se especializó en los spaghetti western, nombre con el que se conocen las películas del oeste tardías realizadas en Italia. Nació en Roma, hijo de un director de cine (que hizo el primer oeste italiano), se inició desde muy joven en esta industria. Actuó en Ladrón de bicicletas (1948), del actor-director Vittorio de Sica. Después trabajó de ayudante de dirección y director de la segunda unidad en producciones italianas y estadounidenses, escribió dos guiones y codirigió la película resultante de uno de ellos, Los últimos días de Pompeya (1960), a la que seguiría El coloso de Rodas, también en este año, y ya dirigida por él en solitario.
Sus películas más famosas son los spaghetti westerns Por un puñado de dólares (1964), versión de la película Yojimbo (1961), del director japonés Akira Kurosawa (que le ganó un pleito sobre sus derechos de autor); y sus secuelas La muerte tenía un precio (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966), las tres protagonizadas por Clint Eastwood a las que siguen Hasta que llegó su hora (1968), y Agáchate maldito (1971), esta última rodada por él mismo al fallar a última hora el director Sam Peckinpah. Su gran proyecto final, Érase una vez en América (1984), es una historia épica de gánsteres y sin duda su obra maestra.
En todas estas películas, Sergio Leone contó con la música del también italiano Ennio Morricone, uno de los más famosos compositores de música de cine contemporáneos, circunstancia que sin duda contribuyó poderosamente a su celebridad.


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Clint Eastwood, actor y director de cine estadounidense



Clint Eastwood
Clint Eastwood
Clint Eastwood empezó su carrera de actor en 1959 con un papel en la serie de televisión Rawhide. En 1964, cuando protagonizó la aclamada Por un puñado de dólares, su nombre se convirtió en un éxito seguro de taquilla. Eastwood ha interpretado una serie de personajes solitarios, como su famoso Harry el Sucio. También ha dirigido y producido películas. Amante del jazz, en 1988 vio cumplido uno de sus mayores deseos: dirigió Bird, sobre la vida del legendario Charlie Parker.

Clint Eastwood (1930- ), actor y director de cine estadounidense. Nació en San Francisco y fue alcalde de Carmel, California, entre 1986 y 1988. Se dio a conocer como protagonista de la serie de televisión Rawhide (El correo del infierno), entre 1959 y 1966. Pero lo que le dio fama internacional fueron los spaghetti western de Sergio Leone Por un puñado de dólares (1964), La muerte tenía un precio (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966), rodados en Europa, especialmente en Almería, en los que recreaba a un pistolero a sueldo sin escrúpulos. Poco después intervino en el musical La leyenda de la ciudad sin nombre (1969, de Joshua Logan) y en Escalofrío en la noche (1971), esta última dirigida por él.
Logró nuevamente el éxito internacional por su papel en la serie de películas en las que encarna al policía duro y poco ortodoxo Harry Callahan: Harry el sucio (1971, de Don Siegel), Harry el fuerte (1973, de Ted Post), Harry el ejecutor (1976, de James Fargo), Impacto súbito (1983, dirigida por él) y La lista negra (1988, de Buddy van Horn). Otras de sus películas más famosas son: El Cadillac rosa (1989, de Buddy van Horn) y Fuga de Alcatraz (1979, de Don Siegel); y las también dirigidas por él Bronco Billy (1980), El jinete pálido (1985), El sargento de hierro (1986), Bird (1988), Cazador blanco, corazón negro (1990) y El principiante (1990).
Clint Eastwood ha producido varias de sus películas, incluida Sin perdón (1992), un western muy aclamado por la crítica en el que interpreta a un pistolero retirado que vuelve para hacer su último trabajo y que obtuvo dos premios Oscar, a la mejor película y a la mejor dirección. Al año siguiente dirigió Un mundo perfecto, una cinta coprotagonizada junto a Kevin Costner que obtuvo un gran éxito. También han sido muy ensalzadas por la crítica internacional Los puentes de Madison (1995), junto a Meryl Streep, Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997), Space Cowboys (2000) y Mystic River (2003), coprotagonizada por Tim Robbins, Sean Penn y Kevin Bacon. En 2005 recibió dos premios Oscar por Million Dollar Baby, a la mejor película y al mejor director. El propio Clint Eastwood protagoniza esta cinta junto a Hilary Swank, que obtuvo por su interpretación el Oscar a la mejor actriz, y Morgan Freeman, que también fue galardonado con el Oscar al mejor actor secundario.


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Don Siegel, , director de cine estadounidense


Don Siegel (1912-1991), director de cine estadounidense. Nació en Chicago (Illinois) el 26 de octubre de 1912 y realizó sus estudios en Inglaterra en la Universidad de Cambridge. Su carrera cinematográfica comenzó en 1933 como bibliotecario en la Warner Bros. Tras algunos cortometrajes a principios de la década de 1940, en 1946 rodó su primera película The Verdict (con Peter Lorre).
El estilo de sus películas, artesanalmente perfecto y carente de toda pretensión, como puede apreciarse en La invasión de los ladrones de cuerpos (1956) o Código del hampa (1964), entusiasmó sobre todo a los críticos de Cahiers du Cinéma. Más tarde se consagró como especialista en películas del oeste, trepidantes y llenas de tensión, así como en filmes de acción y policiacos. La jungla humana (1968) marcó el inicio de una colaboración enormemente fructífera entre Siegel y Clint Eastwood. La película policiaca Harry el sucio (1971), en la que Eastwood interpreta un agente carente de escrúpulos que alcanza su objetivo tomándose la justicia por su mano, resultó todo un éxito de taquilla. Don Siegel falleció el 20 de abril de 1991 en Nipomo (California). Otras películas de su filmografía son: Estrella de fuego (1960), Comando (1962), Brigada homicida (1968), Dos mulas y una mujer (1970), La gran estafa (1973), Molino negro (1974), El último pistolero (1976), Teléfono (1977) y Fuga de Alcatraz (1979).


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Sam Peckinpah, director de cine y guionista estadounidense


Sam Peckinpah (1925-1984), director de cine y guionista estadounidense. Nació el 21 de febrero de 1925 en Fresno (California), hijo de un abogado. Antes de llegar al mundo del cine, a principios de la década de 1950 trabajó como director teatral. Después de haber sido ayudante de Don Siegel en un total de cinco películas, dirigió algunos episodios de las series de televisión Gunsmoke, The Westerner y The Rifleman. Su segundo largometraje, Duelo en la Alta Sierra (1962), supuso su primer gran éxito de crítica y público. Con este filme desmitificó los valores y principios de las películas tradicionales del Oeste, convirtiéndose así en uno de los fundadores del denominado western crepuscular. Entre los elementos característicos de su estilo cabe citar, entre otros, la frecuente utilización de la cámara lenta, sobre todo en escenas de acción. A menudo se le reprochó la violencia excesiva de algunas imágenes, aunque en la mayoría de las películas ésta no se convertía en un fin en sí misma. Peckinpah tuvo a menudo problemas con los productores de sus largometrajes, ya que con frecuencia los recortaban sin consentimiento del director. La película del oeste Grupo salvaje (1969) está considerada como su obra de madurez. Falleció el 28 de diciembre de 1984 en Ingelwood (Estados Unidos).
Otras películas de su filmografía son: The Deadly Companions (1961), Major Dundee (1964), La balada de Cable Hogue (1970), Perros de paja (1971), La huida (1972), Pat Garrett y Billy the Kid (1973), ¡Quiero la cabeza de Alfredo García! (1974), Los aristócratas del crimen (1975), La Cruz de Hierro (1976), Convoy (1978), Clave: Omega (1983).


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Gabriel Figueroa, director de fotografía mexicano


Gabriel Figueroa (1908-1997), director de fotografía mexicano que incorporó su arte al movimiento plástico del cine de su país de la década de 1940.
Nació en la ciudad de México. En 1938 ganó el premio a la mejor fotografía del Festival de Cine de Venecia por el filme Allá en el rancho grande, de Fernando de Fuentes. Su trabajo en La perla (1945, de Emilio Fernández), La malquerida (1939, de José López Rubio), Macario (1960, de Roberto Gavaldón) y otras, fue premiado en repetidas ocasiones. Trabajó al lado de directores como Arcady Boytler, Fernando de Fuentes, Alex Phillips, Emilio Fernández y Luis Buñuel, entre otros. Triunfador en los festivales de Cannes, Madrid, Karlovy Vary, Bruselas, San Francisco, Panamá, Venecia y Hollywood, a lo largo de su carrera recibió gran número de galardones y reconocimientos, entre ellos, el Nacional de Artes, el Salvador Toscano, el Ariel de Oro y el Quetzalcóatl, todos ellos en México. Falleció el 27 de abril en su ciudad natal.


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Julio Iglesias, cantante español de gran éxito internacional



Julio Iglesias
Julio Iglesias es uno de los cantantes de música popular española más conocidos en todo el mundo. El carácter intimista y melódico de sus canciones, unido a su extraordinario talento como comunicador, han convertido sus discos en uno de los mayores éxitos de ventas en todos los países de habla hispana. Desde 1977 reside en Estados Unidos, desde donde dirige su carrera musical y sus diversos negocios.


Julio Iglesias (1943- ), cantante español de gran éxito internacional. Su voz cálida y su perfeccionismo a la hora de realizar grabaciones lo han convertido en el artista que más discos ha vendido en diferentes idiomas.
Nació en Madrid, en el seno de una familia de clase media. Su carrera como portero de fútbol del Real Madrid se vio truncada por un accidente automovilístico que le causó graves heridas y lo obligó a depender de una silla de ruedas durante casi dos años. Durante su estancia en el hospital, un enfermero le regaló una guitarra; a partir de ese momento, comenzó a interesarse por la música. Estudió Derecho en España y en la Universidad de Cambridge. En 1968 ganó el Festival de Benidorm con “La vida sigue igual”, una canción compuesta por él.
Este éxito le garantizó su primer contrato discográfico. Representó a España en el Festival de Eurovisión de 1970 con la canción “Gwendolyne”, que más tarde grabó en inglés, francés e italiano.
Durante la década de 1970 realizó numerosas giras internacionales y se hizo con un importante número de seguidores gracias a canciones como “Manuela” (1975) y “Hey”. En 1981 irrumpió en las listas de éxitos inglesas con “Begin the Beguine” y, más tarde, editó su disco Julio. Ha actuado con importantes estrellas estadounidenses, como Willie Nelson y Diana Ross. En 1988 grabó “My Love” con Stevie Wonder, tema que se convirtió en un gran éxito. También ha colaborado con Dolly Parton, Art Garfunkel y Sting. En 1998 publicó Mi vida, un álbum doble que reúne los 37 temas más célebres de su carrera, entre ellos, 'La vida sigue igual' y 'Soy un truhán soy un señor', y en 2000 sacó Noche de Cuatro Lunas, un álbum diferente que obtuvo un enorme éxito de ventas.
La música de Julio Iglesias es suave e íntima. No sólo ha triunfado como compositor, sino también como intérprete de canciones compuestas por otros autores. Todas estas cualidades, combinadas con su encanto, su atractivo físico y una publicidad adecuada, lo han convertido en uno de los cantantes más famosos del mundo, y ha obtenido cientos de discos tanto de oro como de platino.


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Pedro Vargas, intérprete y autor de canciones


Pedro Vargas (1906-1989), intérprete y autor de canciones, era el prototipo del hombre mexicano.
Nació en San Miguel de Allende en 1906. Cantó “Granada”, “Solamente una vez”, “Noche de ronda”, “Santa”, “Porque ya no me quieres”, “Rosa”, “Suerte Loca” y otras muchas canciones de Agustín Lara, a quien le unía una gran amistad. Pero en su repertorio había muchos otros títulos clásicos de la canción popular mexicana: “Que te vaya bonito”, “Volver, volver”, “Te solté la rienda”, “Un mundo raro” y “La negra noche”, entre otros. Pedro tenía también una magnífica voz para el bolero, e interpretó “Aquellos ojos verdes”, “Acércate más” y otros muchos. Así mismo, llegó a rodar más de 30 películas e interpretó canciones de muchos autores latinoamericanos y españoles. Con Julio Iglesias cantó a dúo “Felicidades”. Murió de un ataque cardiaco en octubre de 1989.


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Julio Bracho, , director de cine mexicano nacido en Durango


Julio Bracho (1909-1978), director de cine mexicano nacido en Durango. Se dio a conocer con las películas Distinto amanecer (1943), protagonizada por Pedro Armendáriz, con canciones de Agustín Lara; e Historia de un gran amor (1942), melodrama romántico interpretado por el cantante Jorge Negrete. En ambos casos el director de fotografía fue el destacado iluminador Gabriel Figueroa.
En su obra, el asunto amoroso y el fondo musical no ocultan un tono crítico ante la realidad social de su país. Así, Distinto amanecer, una de las primeras películas mexicanas rodada en ambiente urbano, con una excelente factura técnica, muestra la corrupción y el asesinato como prácticas comunes en la política del momento.
Considerado un intelectual procedente del teatro, Julio Bracho había debutado en el cine en 1941 con ¡Ay que tiempos, señor Don Simón!, a la que siguieron hasta 20 largometrajes. Sin embargo, su carrera se vio interrumpida en 1960 por el veto impuesto a La sombra del caudillo, película que recreaba (bajo nombre figurado) los manejos dentro del estamento militar bajo la presidencia de Álvaro Obregón, en los años posteriores a la Revolución Mexicana. Esta película permaneció maldita hasta su estreno en 1990, lo que amargó los últimos años de Bracho, impotente para librarla de la censura.


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Alfonso Arau, actor y director de cine y televisión mexicano


Alfonso Arau (1932- ), actor y director de cine y televisión mexicano, conocido internacionalmente por Como agua para chocolate (1992), película basada en la novela homónima de su mujer, Laura Esquivel, y que constituye uno de los primeros traslados con éxito al lenguaje cinematográfico de los hallazgos narrativos latinoamericanos del realismo mágico.
Nacido en México, se formó y trabajó inicialmente en el teatro, para incorporarse más tarde al cine como actor. Destacan sus papeles en Grupo salvaje (1969, de Sam Peckinpah), Tras el corazón verde (1984, de Robert Zemeckis) o Tres amigos (1986, de John Landis), junto al cómico Steve Martin. También ha dirigido televisión, medio en el que ha mantenido su Show de Arau entre 1959 y 1964 en Cuba.
Iniciado en la dirección cinematográfica en 1969 con El águila descalza, de la que hizo una versión en inglés en 1988, firmó cinco películas desiguales antes de Cómo agua para chocolate, cuyo éxito le permitió rodar Un paseo por las nubes (1995), ya en la gran industria estadounidense, con más medios, pero un resultado menos convincente que la anterior.


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Nino Manfredi, actor y realizador italiano


Nino Manfredi (1921-2004), actor y realizador italiano. Nacido en Castro dei Volsci (Frosinone), se graduó en Derecho y asistió a la Academia de Arte Dramático de Roma. En 1947 debutó como actor teatral con la compañía Maltagliati-Gassman. En 1949 saltó a la pantalla cinematográfica, donde interpretó personajes secundarios durante casi diez años. Gracias a L’impiegato (1959) se consagró como protagonista de la comedia italiana. A continuación siguieron otras películas en las que desarrolló un humor original, contenido aunque en ocasiones amargo o grotesco. Destacaron, entre otras, Anni ruggenti (1962, de Luigi Zampa), El verdugo (1963, de Luis García Berlanga), Aventuras y desventuras de un italiano emigrado (1973, de Franco Brusati), Colpo di luna (1995, de Alberto Simone) y La luz prodigiosa (2003, de Miguel Hermoso).
Como director filmó e interpretó tres cintas, entre ellas Las tentaciones de Benedetto (1971). Doblador al inicio de su carrera, puso voz al personaje de Geppetto en la versión televisiva de Luigi Comencini del famoso cuento de Carlo Collodi, Las aventuras de Pinocho (1971). Falleció el 4 de junio de 2004 en Roma.


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sábado, 9 de febrero de 2013

Jean-Paul Belmondo


Jean-Paul Belmondo
Jean-Paul Belmondo
El actor francés Jean-Paul Belmondo realizó una interpretación memorable en la película Al final de la escapada del director Jean-Luc Godard. Al interpretar películas dirigidas por Godard y François Truffaut, Belmondo intervino en la creación de un nuevo género cinematográfico conocido como nouvelle vague.
Jean-Paul Belmondo (1933- ), actor francés, nacido en Neuilly-sur-Seine, cerca de París, hijo del conocido escultor Paul Belmondo. Aunque primero se inclinó por el deporte (quiso ser boxeador y futbolista), Belmondo se sintió tentado por la interpretación, e ingresó en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático.
El éxito le llegó cuando en 1959 se unió al realizador Jean Luc Godard para hacer Al final de la escapada (1959), debut de ambos y una de las películas más importantes de la nouvelle vague. Su papel en este filme era un cruce entre Marlon Brando y Humphrey Bogart, y modificaba la imagen tradicional del modelo de belleza juvenil. La versatilidad de su técnica interpretativa le ha permitido asumir muy variados papeles, tanto cómicos como trágicos, con una mezcla de cinismo y sinceridad, fortaleza y fragilidad.
Desde el aclamado Pierrot el loco (1965), también de Godard, Belmondo ha actuado casi siempre en películas de segunda fila, con la excepción de Kean, una obra de teatro de Jean-Paul Sartre de 1953, que Belmondo interpretó en 1987. En 1963 escribió un libro, Treinta años y veinticinco películas, y en 1981 fundó su propia productora. Ha recibido la Legión de Honor de la República Francesa y ha sido nombrado oficial de la Orden Nacional del Mérito, y oficial de las Artes y de las Letras.


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Stan Laurel



Stan Laurel (1890-1965), el Flaco, de la pareja cómica el Gordo y el Flaco, y su elemento creativo. Su verdadero nombre era Arthur Stanley Jefferson, nació en Ulverstone, Lancashire. En su adolescencia se unió a la compañía cómica de Fred Karno, para emigrar poco después, en 1911, a Estados Unidos en búsqueda del éxito como actor de vodevil. Al no conseguirlo, pasó al cine e hizo en 1917 una comedia de persecuciones, Nuts in May (Nueces en mayo).
Diez años más tarde alcanzaría el éxito junto a Oliver Hardy, el Gordo, con quien formó pareja por primera vez en Putting pants on Phillip (Ponedle los calzoncillos a Philip, 1927), de Hal Roach. Esta pareja se consolidaría con ¡Vaya par de marinos! (1927), a la que seguirían From soup to nuts (1928), You're Darn Tootin' (1928), Liberty (1929), Ensalada de gemelas (1929) y Laughing gravy (1931). La calidad indudable de sus películas mudas decaería con el sonoro, pese a sus esfuerzos por realizar versiones simultáneas en varios idiomas.
El primer largometraje del Gordo y el Flaco fue De bote en bote (1931), tras la que alternarían largos y cortos hasta 1936, fecha en la que abandonaron el corto. Laurel produjo algunos más para Roach con otros actores, pero Laurel y Roach pelearon y se separaron. Posteriormente, ya en la década de 1940, Laurel y Hardy harían de nuevo 7 películas para la 20th-Century Fox y la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), bastante irregulares. Para Stan Laurel, la pérdida de la libertad creativa que les había permitido a Laurel y Hardy alcanzar el éxito fue una fuente de resentimiento hasta su muerte.


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Oliver Hardy, actor de cine estadounidense, el Gordo y el Flaco



Laurel y Hardy
Stan Laurel (al centro) y Oliver Hardy (a la izquierda) formaron el dúo cómico más popular de la historia del cine. El carácter presuntuoso y peleón de Hardy contrastaba perfectamente con la inocencia y timidez de Laurel, y juntos se las arreglaban para provocar estropicios incluso en las situaciones más simples. La mayoría de sus películas fueron realizadas en las décadas de 1930 y 1940.
Oliver Hardy (1892-1957), actor de cine estadounidense, más conocido como el Gordo, de la pareja cómica el Gordo y el Flaco. Nació en Harlem, Georgia, comenzó en el cine como director de una sala, a los 18 años, antes de meterse en la interpretación y en la producción. A partir de entonces continuó representando papeles cómicos para varias productoras especializadas en películas de dos bobinas. También apareció en algunos largos, como la versión de 1925 de El mago de Oz.
Durante estos años, Hardy trabajó sobre todo para Hal Roach, que fue el primero en emparejarlo con Stan Laurel en Putting pants on Philip (Ponerle los calzoncillos a Philip, 1927). Las películas de dos bobinas que le siguieron continuaron la tradición de Mack Seunett, sin innovar mucho. Fueron la pareja tradicional del gordo y el flaco, del áspero y el tímido. Los mejores ejemplos incluyen From soup to nuts (De la sopa a las nueces, 1928), You're darn tootin' (1928), Liberty (1929) y Laughing Gravy (1931). El gordo y el flaco fueron de los pocos cómicos del mudo que pasaron con éxito del cine mudo al sonoro, aunque en este campo su calidad fue irregular. Cuando Laurel rompió con Roach por discrepancias sobre el control creativo de la pareja, Roach emparejó a Hardy con Harry Langdon, en Zenobia (1939).
Años más tarde, la Twentieth-Century Fox y la Metro-Goldwyn-Mayer los reunieron de nuevo para hacer siete películas de serie B entre 1940 y 1946 en las que aprovecharon mal sus habilidades. Sus giras posteriores haciendo vodevil en Inglaterra y Estados Unidos, tuvieron escaso éxito.


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Hermanos Marx, comediantes estadounidenses



Los hermanos Marx
Los cuatro hermanos Marx fueron actores de comedia que trabajaban en equipo. Los cuatro cocos (1929) fue su primera película. De las trece películas que hicieron, en las cinco primeras trabajó Zeppo, que se separaría de sus hermanos para dedicarse a otras actividades. La madre, Minnie Marx, fue quien impulsó a sus hijos a trabajar en el espectáculo, que empezaría en el vodevil. Hubo un quinto hermano, Gummo, que dejó el equipo antes de que éste empezara a hacer películas. Ellos son de izquierda a derecha: Harpo,

Hermanos Marx, comediantes estadounidenses, nacidos en Nueva York, conocidos por sus nombres artísticos: Chico Marx (su verdadero nombre era Leonard, 1891-1961), Harpo Marx (Arthur, 1888-1964), Groucho Marx (Julius, 1890-1977) y Zeppo Marx (Herbert, 1901-1979).
Formados como músicos, los cuatro hermanos comenzaron su carrera artística actuando en el vodevil con su madre y su tía, con el nombre de las Six Musical Mascots y, más tarde, como los Four Nightingales. Un quinto hermano, Gummo Marx (Milton), también trabajaba con ellos, aunque nunca actuó en ninguna de sus películas. Finalmente, tras presentarse como los Hermanos Marx, aparecieron en una serie de películas cómicas, famosas sobre todo por sus alocados golpes visuales, deudores de su anterior trabajo teatral. Entre estas películas están Los cuatro cocos (1929), primera de la serie, El conflicto de los Marx (1930), Plumas de caballo (1931) y Sopa de ganso (1933). Tras la retirada de Zeppo en 1935, que actuaba sin caracterización cómica, como un actor normal o incluso de galán, Harpo, Chico y Groucho continuaron juntos, cosechando grandes éxitos con Una noche en la ópera (1935), Un día en las carreras (1937), El hotel de los líos (1938), Los Hermanos Marx en el Oeste (1940) y Tienda de locos (1941), Debido a las exigencias comerciales que les obligaban a incluir junto a sus números cómicos, historias y canciones de amor ajenas a la personalidad y el ritmo de los Marx, fueron perdiendo el humor absurdo e incisivo, surrealista en ocasiones, que les había hecho famosos. Su última película juntos fue Amor en conserva (1949).
Cada hermano asumía una identidad reconocible de inmediato: entre otras características, Groucho lucía un llamativo bigote, fumaba puros y hablaba sin parar, desplegando un ingenio cáustico; por el contrario, Harpo hacía de mudo, tocaba el arpa, perseguía a las mujeres e iba desastradamente vestido; entre ambos, Chico, más descarado, hablaba con acento italiano y tocaba el piano. Después de disolverse como grupo, Groucho continuó en solitario su carrera, como presentador de la serie televisiva You bet your life (¡Ya lo creo!). También escribió las recopilaciones humorísticas autobiográficas Groucho y yo (1959) y Memorias de un amante sarnoso (1964). Harpo publicó su autobiografía Harpo habla, en 1961. La influencia del trabajo de los Hermanos Marx, especialmente de Groucho, sobre las generaciones posteriores de humoristas ha sido inmensa, y ha inspirado directamente a comediógrafos de la talla de Woody Allen.


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Harold Lloyd, actor de cine estadounidense



Harold Lloyd (1893-1971), actor de cine estadounidense que al retirarse en 1945 había intervenido en casi 500 películas, mudas y sonoras, todas pertenecientes al género de la comedia. La mayoría de ellas contienen imaginativas y largas secuencias de persecuciones, rodeadas de espeluznantes peligros que exigían arriesgadas proezas circenses.
Nació en Burchard, Nebraska, y comenzó a intervenir en comedias de corta duración en 1913 en San Diego, California. En 1917 creó el personaje que lo haría popular, un optimista y despistado individuo con gafas, que interpretó en su primer largometraje titulado, El mimado de la abuelita (1922, de Fred C. Newmeyer). Sus películas lograron ser al mismo tiempo grandes éxitos de público y muy alabadas por su complejidad técnica y realismo, comparadas con otras del mismo género en aquel tiempo. Entre los ejemplos más conocidos se cuentan El hombre mosca (1923), El estudiante novato (1925), ambas dirigidas por Sam Taylor y Fred C. Newmeyer, Cinemanía (1932), de Clyde Bruckman, y La Vía Láctea (1936), de Leo McCarey.


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viernes, 8 de febrero de 2013

Clint Eastwood, actor y director de cine estadounidense



Clint Eastwood (1930- ), actor y director de cine estadounidense. Nació en San Francisco y fue alcalde de Carmel, California, entre 1986 y 1988. Se dio a conocer como protagonista de la serie de televisión Rawhide (El correo del infierno), entre 1959 y 1966. Pero lo que le dio fama internacional fueron los spaghetti western de Sergio Leone Por un puñado de dólares (1964), La muerte tenía un precio (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966), rodados en Europa, especialmente en Almería, en los que recreaba a un pistolero a sueldo sin escrúpulos. Poco después intervino en el musical La leyenda de la ciudad sin nombre (1969, de Joshua Logan) y en Escalofrío en la noche (1971), esta última dirigida por él.
Logró nuevamente el éxito internacional por su papel en la serie de películas en las que encarna al policía duro y poco ortodoxo Harry Callahan: Harry el sucio (1971, de Don Siegel), Harry el fuerte (1973, de Ted Post), Harry el ejecutor (1976, de James Fargo), Impacto súbito (1983, dirigida por él) y La lista negra (1988, de Buddy van Horn). Otras de sus películas más famosas son: El Cadillac rosa (1989, de Buddy van Horn) y Fuga de Alcatraz (1979, de Don Siegel); y las también dirigidas por él Bronco Billy (1980), El jinete pálido (1985), El sargento de hierro (1986), Bird (1988), Cazador blanco, corazón negro (1990) y El principiante (1990).
Clint Eastwood ha producido varias de sus películas, incluida Sin perdón (1992), un western muy aclamado por la crítica en el que interpreta a un pistolero retirado que vuelve para hacer su último trabajo y que obtuvo dos premios Oscar, a la mejor película y a la mejor dirección. Al año siguiente dirigió Un mundo perfecto, una cinta coprotagonizada junto a Kevin Costner que obtuvo un gran éxito. También han sido muy ensalzadas por la crítica internacional Los puentes de Madison (1995), junto a Meryl Streep, Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997), Space Cowboys (2000) y Mystic River (2003), coprotagonizada por Tim Robbins, Sean Penn y Kevin Bacon. En 2005 recibió dos premios Oscar por Million Dollar Baby, a la mejor película y al mejor director. El propio Clint Eastwood protagoniza esta cinta junto a Hilary Swank, que obtuvo por su interpretación el Oscar a la mejor actriz, y Morgan Freeman, que también fue galardonado con el Oscar al mejor actor secundario.

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Fernando Fernán Gómez, actor y director de cine español,



Fernando Fernán Gómez (1921-2007), actor y director de cine español, también novelista y autor teatral, conocido por el gran público principalmente por su faceta interpretativa.
Nació en Lima (Perú) durante una gira teatral de sus padres por Latinoamérica. Inscrito en el consulado de Buenos Aires, conservó la nacionalidad argentina hasta 1970, fecha en la que adoptó la española. Se inició como actor en grupos de teatro de aficionados. Sus primeros éxitos como actor profesional los obtuvo con producciones locales de posguerra como La mies es mucha (1948), de José Luis Sáenz de Heredia, en la que interpretaba a un misionero español que sucumbe heroicamente, o Botón de ancla (1947), de Ramón Torrado, en la que encarna a un guardiamarina.
Con los años, este prototipo de hombre sencillo y bueno fue derivando hacia personajes más profundos y extraños, como el profesor de derecho autoesclavizado de Stico (1984), sátira de Jaime de Armiñán, por la que el actor obtuvo un Oso de Plata del Festival de Berlín. Otros títulos memorables de su extensa filmografía como intérprete son El espíritu de la colmena (1973, de Víctor Erice), El anacoreta (1976, de Juan Estelrich), La mitad del cielo (1986, de Manuel Gutiérrez Aragón), Belle Époque (1992, de Fernando Trueba), La lengua de las mariposas (1999, de José Luis Cuerda) y En la ciudad sin límites (2002, de Antonio Hernández).
Sin embargo, donde cosechó sus mejores frutos fue en el terreno de la dirección, también en su madurez, con varias películas entre las que sobresalen El viaje a ninguna parte (1986), basada en su novela homónima publicada en 1985, Mambrú se fue a la guerra (1986), o El mar y el tiempo (1989), que también interpreta. En 1987, con la inauguración de los Premios Goya, conseguiría cuatro de estos galardones: a la mejor película, al mejor guión y a la mejor dirección por El viaje a ninguna parte, y a la mejor interpretación por Mambrú se fue a la guerra.
Como autor teatral, obtuvo un gran éxito con Las bicicletas son para el verano, Premio Nacional Lope de Vega en 1978, adaptada al cine en 1983 por Jaime Chávarri. Fue también Premio Nacional de Teatro en 1984, y en 1987 fue finalista del Premio Planeta con su novela El mal amor. En 2001 publicó Capa y espada, una novela histórica sobre uno de los personajes centrales de la corte de Felipe IV, Juan de Tassis, conde de Villamediana. En 1998 se convirtió en el primer actor que entraba a formar parte de la Real Academia Española. En 2005 recibió el Oso de Oro de Honor en el Festival de Cine de Berlín por su trayectoria profesional. Falleció el 21 de noviembre de 2007 en Madrid.


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Laurence Olivier, actor, productor y director británico



Laurence Olivier (1907-1989), actor, productor y director británico unánimemente considerado como uno de los mejores actores del siglo XX.
Olivier nació en Dorking, Surrey, en 1907. Nueve años después hizo su primera aparición sobre el escenario en representaciones de aficionados de obras del poeta y dramaturgo inglés William Shakespeare. Su debut profesional tuvo lugar en Letchworth en 1925. Formó parte de la Compañía de Repertorio de Birmingham de 1926 a 1928. Olivier debutó en Estados Unidos con un melodrama que estuvo poco tiempo en cartel en Nueva York en 1929. En 1930 y 1931 apareció en Vidas privadas, del dramaturgo inglés Noel Coward, tanto en Londres como en Nueva York. En 1937 y 1938 fue miembro del Old Vic. Más tarde fue co-director de la compañía del Old Vic desde 1944 hasta 1949; en 1946 apareció triunfalmente en los Estados Unidos. En el teatro, Olivier ha interpretado una variedad heterogénea de papeles en todos los géneros desde la tragedia griega hasta la comedia de la Restauración, así como obras contemporáneas.
En 1939 Olivier hizo Cumbres borrascosas, su primera película importante. En 1946 produjo, dirigió y protagonizó una versión cinematográfica de la obra de Shakespeare Enrique V que se ha convertido en un clásico. También produjo, dirigió y fue protagonista de versiones para el cine de algunas obras de Shakespeare: Hamlet (1948), por la que recibió el Oscar al mejor actor, director y mejor película del año; Ricardo III (1956), e interpretó el papel principal en la versión cinematográfica de Otelo (1965, Stuart Burge). Interpretó un sinfín de papeles de muy variada naturaleza; sus otras películas incluyen Rebeca (1940, Alfred Hitchcock), El animador (1960, Tony Richardson), La huella (1972, Joseph L. Mankiewicz), Marathon Man (1976, John Schlesinger) y Los niños del Brasil (1978, Franklin J. Schaffner), por las cuales recibió nominaciones al Oscar. Su reconocido prestigio artístico se extendió a la televisión con su trabajo como lord Marchmain en la presentación en la serie Retorno a Brideshead (1981).
Olivier dirigió el Teatro Nacional de Gran Bretaña desde 1962 hasta 1973. Fue nombrado caballero en 1947 y recibió el título de barón Olivier en 1970. Tras el divorcio de la actriz Vivien Leigh, se casó con la también actriz Joan Plowright. Escribió el libro Confesiones de un actor (1982) y Sobre actuación (1986).


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Charles Laughton, actor británico, nacionalizado estadounidense



Charles Laughton (1899-1962), actor británico, nacionalizado estadounidense en 1950, nacido en Yorkshire (Gran Bretaña) y educado en el Stonyhurst College y la Real Academia de Arte Dramático (RADA). Uno de los actores más populares y versátiles de su época, Laughton debutó en el teatro londinense en 1926, en la obra de Nikolái Gógol El inspector general. Entre sus primeras películas británicas se cuentan Comets (1929) y Piccadilly (1929, E. A. Dupont).
Su éxito como actor fue casi inmediato, obteniendo un Oscar en 1933 por su papel protagonista en La vida privada de Enrique VIII, filme británico al que pronto seguiría el éxito en Hollywood, donde apareció durante más de treinta años en películas como Rebelión a bordo (1935, F. Lloyd), Los miserables (1935, Richard Boleslawski), Rembrandt (1936, A. Korda), Esmeralda, la zíngara (1939, William Dieterle), El déspota (1954, David Lean), Testigo de cargo (1957, B. Wilder), Espartaco (1960, Stanley Kubrick), o Tempestad sobre Washington (1962, Otto Preminger). Dirigió una única película, La noche del cazador (1955), verdadera obra maestra de un suspense ambiguo y estetizante. A lo largo de su dilatada carrera profesional, continuó actuando en el teatro (Galileo, 1947; Don Juan en los infiernos, 1951; El rey Lear, 1959).


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Héctor Olivera, productor y director de cine argentino



Héctor Olivera (1931- ), productor y director de cine argentino, fundador junto a Fernando Ayala de la productora Aries, con la que respaldaron el cine argentino de las décadas de 1960 y 1970, hasta las primeras obras de Adolfo Aristarain, como Tiempo de revancha (1981).
Su temprana vocación por el cine lo llevó a trabajar primero de ayudante de dirección y después de jefe de producción, para debutar finalmente en la dirección con Psexoanálisis (1967). Se dio a conocer con dos obras de tema político contra la dictadura premiadas con sendos Osos de Plata en el Festival de Berlín: La Patagonia rebelde (1974), protagonizada por Héctor Alterio; y No habrá más penas ni olvido (1983), interpretada por Federico Luppi y Lautaro Murúa, entre otros, basada en la novela homónima de Osvaldo Soriano. De este autor también adaptó en 1994 Una sombra ya pronto serás.
En esta misma línea política, aborda con crudeza las torturas a los desaparecidos de la dictadura argentina en La noche de los lápices (1986), o escribe junto a Fernando Ayala Cacique Bandeira (1975). Con él también codirigió los musicales El canto cuenta su historia (1976) y Argentinísima (1972), donde intervienen figuras destacadas de la música popular argentina de los más diversos estilos, de Atahualpa Yupanqui a Ástor Piazzola.


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miércoles, 6 de febrero de 2013

Fernando de Fuentes


Fernando de Fuentes (1894-1958), director de cine mexicano, una de las figuras más sobresalientes de los inicios del cine de su país. Nacido en Veracruz, aprende el oficio progresivamente como otros pioneros, comenzando como proyeccionista, para luego trabajar en el montaje, en el doblaje, y como ayudante de dirección. Finalmente, en 1932, dirige su primera película: El anónimo.
Se dio a conocer con El compadre Mendoza (1933) y ¡Vámonos con Pancho Villa! (1935), ambas sobre la Revolución Mexicana, alcanzando gran popularidad en todo el mundo hispano al inventar un género costumbrista nacional: la comedia ranchera. A este tipo de películas pertenecen Allá en el rancho grande (1936), y Así se quiere en Jalisco (1942), protagonizada por el actor y cantante Jorge Negrete, que tendrían sucesivas secuelas.
Con Doña Bárbara (1943), adaptación de la novela de Rómulo Gallegos, descubre a María Félix. Culmina su carrera con otras dos adaptaciones, Crimen y castigo (1950), de Dostoievski, y Canción de cuna (1952), de Gregorio Martínez Sierra.


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Jorge Negrete



Jorge Negrete
Jorge Negrete

Mito de la canción ranchera mexicana, es una de las figuras más consideradas del cine y la canción en el ámbito iberoamericano. Su potente voz y su aspecto gallardo popularizaron la imagen del charro mexicano. El día de su muerte se declaró día de duelo nacional.

Jorge Negrete (1911-1953), actor y cantante mexicano. Nació en Guanajuato en el seno de una familia de militares y llegó a graduarse de subteniente. Ante su pasión por el canto decide abandonar su carrera para dedicarse a la música y participa en diversos espectáculos de variedades. Esto le llevó a viajar a Nueva York, donde trabajó en cabarets cantando rancheras, corridos y boleros como el famoso 'Yumuri'. Así conoció al productor de cine Gonzalo Varela, gracias al cual debutó en el cine en 1937 con La madrina del diablo. Después vendrían las famosas películas ¡Ay Jalisco no te rajes! (1941); El peñón de las ánimas (1943), primera película junto a la que después sería su esposa, María Félix; Gran Casino (1946), de Luis Buñuel; Allá en el rancho grande (1948) o Un gallo en corral ajeno (1950).
Jorge Negrete es el máximo exponente de un género que luego seguirían Pedro Infante y otros. Realizó giras por Hispanoamérica y España cosechando grandes éxitos. Fue fundador de la Asociación Nacional de Actores de gran fuerza socio-política en México. Falleció de una enfermedad hepática durante una gira artística en Los Ángeles. Cuando se produjo su muerte, el día fue declarado de duelo nacional y se guardaron cinco minutos de silencio en todos los cines del país. Sus restos fueron esperados en el aeropuerto de la capital por más de 10.000 personas.
En 1955 R. Portas rodó en su homenaje El charro inmortal (documental musical sobre su obra con fragmentos de sus películas).


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Agustín Lara



Agustín Lara
Agustín Lara
Agustín Lara
El cantante y compositor mexicano Agustín Lara. Durante su prolífica carrera escribió más de 500 canciones, como "Noche de ronda" o el célebre chotis "Madrid".

Agustín Lara (1900-1970), compositor y poeta mexicano, cuyo nombre permanecerá siempre asociado al bolero latinoamericano.
Agustín Lara Aguirre del Pino nació el 1 de octubre de 1900 en Tlacotalpan, estado de Veracruz, en el seno de una familia de clase acomodada. A muy temprana edad comenzó a estudiar piano y durante años tocó en cabarés, cafés y clubes nocturnos hasta que el tenor Juan Arvizu, una de las figuras de la música del momento, lo descubrió y le contrató como compositor y pianista acompañante. En 1926 registró su primera canción “La prisionera”. A partir de entonces, su carrera profesional como autor e intérprete se desarrolló en el campo de la llamada canción ligera, en la que ocupó el primer puesto en su país. Alcanzó fama internacional y sus canciones dieron la vuelta al mundo.
Una de sus parejas artísticas fue Toña la Negra, para la que compuso “Lamento jarocho”. Para Pedro Vargas escribió en 1935 el célebre tema “Granada”, en honor a la ciudad de la Alhambra. En 1954 contrajo matrimonio con el gran amor de su vida, la actriz mexicana María Félix, a quien dedicó la canción “María bonita”. Ese mismo año viajó por primera vez a España, país por el que sentía una gran admiración y al que dedicó varios temas, entre ellos el chotis “Madrid”. A partir de 1967, se retiró del mundo artístico por problemas de salud, y el 6 de noviembre de 1970 falleció en la ciudad de México.
Agustín Lara compuso cerca de 500 canciones y cultivó gran número de géneros musicales, desde el vals hasta el danzón, aunque siempre sintió predilección por el bolero. Entre sus canciones más famosas destacan 'Morucha', 'Tengo celos', “Noche de ronda”, 'Cabellera negra', 'Gotas de amor' y 'Tus pupilas'. También escribió una opereta (El pájaro de oro) e intervino en 30 películas. A lo largo de su trayectoria musical fue objeto de diversos homenajes.


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Agustín Lazo


Agustín Lazo (1900-1971), artista mexicano, destacada figura de la escenografía en su país. También son importantes sus pinturas al óleo, acuarelas, dibujos y grabados.
Hijo de arquitecto, nació en la ciudad de México y, tras estudiar un año en la Escuela de Arquitectura, se dedicó a la pintura. En 1917 entró en la Academia Nacional de Bellas Artes de la capital azteca. Entre 1925 y 1928 viajó por Europa y entró en L’Atelier, una escuela y compañía de teatro fundada por el director y actor francés Charles Dullin, experiencia que le valió después en México para convertirse en escenógrafo.
La poética surrealista, que conoció durante sus años por Europa, será una constante en su producción. Junto a ella, también el puntillismo influyó en su obra durante unos años, aunque en determinada época se dejara llevar por la poderosa influencia de Manuel Rodríguez Lozano, realizando lienzos de mayores dimensiones dentro de los cuales aparecen amplias figuras que cubren toda la tela. Pese a su refinada sensibilidad, sus pinturas tienen un claro acento nacional, aunque nunca se dejó seducir por la corriente muralista que cautivó a la mayoría de los artistas. Son obras donde reina la armonía, la compostura y la fina percepción de los valores táctiles y visuales que siempre han dominado su producción.
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Agresión sexual a turistas españolas


Un grupo de seis turistas españolas fueron violadas en Acapulco, delincuentes con armas largas  ingresaron en  la madrugada  en el bungalow  del poblado de San Andrés en Barra Vieja, donde descansaban seis turistas españolas, una mexicana y siete hombres que fueron despojados de sus objetos personales tras ser atados con los bikinis.
Tras consumar la  agresión los delincuentes se dieron a la fuga, convirtiéndose este hecho en un escándalo internacional que afecta la imagen  de Guerrero y en particular la  del Puerto de Acapulco como destino turístico.
Los gobernantes de Guerrero y Acapulco, Ángel Aguirre Rivero y Luís Walton declararon al respecto, con el profesionalismo de los buenos políticos de la zona, Walton dijo que lo ocurrido a las turistas españolas, puede ocurrir en cualquier parte del mundo, Aguirre  advierte que  sobre  los responsables caerá todo el peso de la ley. Pero los que conocemos como se las gastan en Guerrero sabemos  de la impunidad  que impera en el estado, donde  las autoridades encargadas de perseguir a la delincuencia se atrinchera en sus  oficinas y comandancias ante el  temor de sufrir algún tipo de ataques; quienes realmente llevan la batuta en la pelea contra el crimen es la  marina; en Guerrero no existe la investigación criminal.
 al respecto de las investigaciones, el crimen pudo ser cometido por locales  que enterados  de la presencia de las turistas realizaron el ataque, hay que recordar que con el pretexto de autodefensa contra el crimen organizado, muchos ciudadanos, tan criminales como los propios criminales agreden a la ciudadanía.

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Emilio Fernández y sus películas


Emilio Fernández
Emilio Fernández

Emilio Fernández, director de 42 películas y ganador de gran cantidad de premios internacionales, está considerado el más internacional de los directores de cine mexicanos. Tanto en El impostor (1957) como en otras películas suyas exploró la amargura de los marginados en la sociedad mexicana.

Emilio Fernández (1904-1986), actor y director mexicano de cine, también conocido como el Indio Fernández. Fue uno de los cineastas mexicanos más prolíficos y carismáticos de la década de 1940. En sus películas reflejó los problemas y contradicciones de la sociedad mexicana, sobre todo el desamparo y la fatalidad de las clases humildes, y en especial de los grupos indígenas. Su obra no está exenta de cierto sentimentalismo y gusto por el melodrama popular.
Hijo de padre español y madre indígena, nació cerca de Hondo, Coahuila. Abandonó sus estudios para unirse a la Revolución Mexicana cuando tenía 12 años. Capturado por las tropas gubernamentales, fue condenado a veinte años de prisión. Transcurridos tres años de su condena, escapó de la cárcel y huyó a Estados Unidos, donde permaneció varios años trabajando en Hollywood. A comienzos de la década de 1930 regresó a México para trabajar como actor de cine, oficio que alternaría con el de director. Realizó su primera película, La isla de la pasión, en 1941, pero será Flor silvestre (1943) la primera obra importante de su larga carrera como director. En ella recurrió a los actores Dolores del Río y Pedro Armendáriz, al guionista Mauricio Magdaleno y al director de fotografía Gabriel Figueroa, equipo con el que trabajaría en varias películas más.
Influido por el director soviético Serguéi Eisenstein, que rueda en su país ¡Que viva México! en 1931, y por el estadounidense John Ford, Fernández muestra en sus mejores obras la lucha de unos personajes que no pueden evitar el destino trágico que les aguarda. Por ejemplo, en María Candelaria (1943), premiada en Cannes, una pareja es rechazada por la comunidad rural en la que viven por pertenecer a diferentes grupos étnicos. María (Dolores del Río) contrae la malaria, pero se logra salvar gracias a la quinina que Lorenzo (Pedro Armendáriz) le consigue. Finalmente es lapidada por sus paisanos. En El impostor (1956), un profesor universitario pierde su trabajo por razones de honor y decide regresar al campo. Allí adopta la identidad de su primo muerto e intenta ganarse la vida como político hasta que descubre que eso le convierte en blanco para el asesinato. El mensaje del Indio Fernández es claro y pesimista: la vida es una sucesión de puertas que se le cierran al ser humano, al tiempo que resulta difícil evitar las trampas que esconde.
La carrera de Emilio Fernández fue larga e ilustre. Dirigió 41 películas y obtuvo varios premios internacionales. En su opinión, el prestigio del que disfrutaban sus películas en México se debía fundamentalmente a que eran “fragmentos de la vida mexicana”; su obra en conjunto es una profunda exploración en el corazón de la identidad de su patria. De su filmografía, además de las ya citadas, habría que destacar Las abandonadas (La sombra enamorada) y Bugambilia, en 1944; La perla (1945), con guión de John Steinbeck; Enamorada (1946); Río Escondido (1947); y Maclovia (Belleza maldita, 1948), en la que María Félix sustituyó a Dolores del Río. Amigo de Sam Peckinpah, participó como actor en tres películas suyas: Grupo salvaje (1969), Pat Garret y Billy the Kid (1973) y ¡Quiero la cabeza de Alfredo García! (1974).

Emilio Fernández: principales películas
AÑO
TÍTULO

1941
La isla de la pasión
1942
Soy puro mexicano
1943
Flor silvestre
1943
María Candelaria (Xochimilco)
1944
Bugambilia
1944
Las abandonadas (La sombra enamorada)
1945
La perla
1945
Pepita Jiménez
1946
Enamorada
1947
Río Escondido
1948
Maclovia (Belleza maldita)
1948
Pueblerina
1948
Salón México
1949
Duelo en las montañas
1949
La malquerida
1949
Una mujer rebelde
1950
Islas Marías
1950
Siempre tuya
1950
Un día de vida
1950
Víctimas del pecado
1951
Acapulco
1951
El mar y tú
1951
La bienamada
1952
Cuando levanta la niebla
1953
El rapto
1953
La red
1953
La rosa blanca
1953
Reportaje
1954
La rebelión de los colgados
1954
Nosotros dos
1955
La Tierra de Fuego se apaga
1956
El impostor
1956
Una cita de amor
1961
Pueblito
1962
Paloma herida
1966
Un dorado de Pancho Villa
1968
El crepúsculo de un dios
1973
La Choca
1975
Zona roja
1977
México norte
1978
Erótica


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